Roxy Music – Avalon

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Bryan Ferry es un músico inglés, Commander of the British Empire -bobo, en sus siglas en español-, para quien parece ser que se ha acunado la palabra “dandy”, y en el origen de uno de los grupos de finales de los 70’s principios de los 80’s más influyente de la música pop -¿o será rock?, Roxy Music.

Primero lo intentó con una banda llamada The Banshees -nada que ver con la formación de Siouxie Sioux-, luego intentó integrar sin éxito el grupo de Robert Fripp, King Crimson, y finalmente lanzó Roxy Music, proyecto al que se unió desde el principio Brian Eno. Dos egos sobre dimensionados no podían durar mucho juntos, por lo que este último se marcha después del segundo álbum. Del sonido glam de los primeros años, se pasa a un estilo más “facilón”, pop, hasta bailable. Love is the Drug es el primer single que conoce cierto éxito en EEUU, en 1975. Sacado del álbum Siren, roza el género “disco” que empieza a hacer estragos en las radios y discotecas de medio planeta. La gira que sigue el estreno del LP marca la primera disolución del grupo.

Bryan Ferry lo intenta vagamente en solitario, incluso saca un disco llamado In your mind, pero el movimiento punk le tira a la cuneta. Por colmo, su novia de aquel entonces, la modelo Jerry Hall, a la que no le gustarán los loosers pero sí la sangre azul, le deja solo y se marcha con Mick Jagger, otro músico ennoblecido por la momia real.

avalon

En 1978, Roxy Music se vuelve a reunir, con los cuatro miembros de siempre –Bryan Ferry, Phil  Manzanera, Andy Mackay y Paul Thompson-, y saca en dos años Manifiesto y Flesh and Blood, respectivamente sexto y séptimo álbum del grupo, con los que vuelve a conocer el éxito tanto en Europa como en EEUU. Pero lo mejor está por venir.

En 1982, como culminación del proceso de suavización del sonido, Roxy Music, saca Avalon, un álbum de una rara elegancia, rozando la perfección cada pieza del disco. Algunas de ellas se han convertido desde entonces en iconos de los 80’s, como More tan this, Avalon, o la que es mi preferida, Take a chance with me con esa hermosa introducción. Se venderán millones de ejemplares de lo que será el último trabajo de estudio de Roxy Music.

Como anécdota, todos los álbumes del grupo llevan una mujer en la portada. Avalon no falla a la tradición, debajo del casco medieval y llevando un halcón en la mano derecha, está su propia mujer, Lucy Helmore.

 

 

Kid Creole & The Coconuts – Tropical Gangster

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Thomas August Darnell Browder es un tipo alegre. Criado en el Bronx en los 50, fan del jazz y swing de las Big Bands, de las películas del Hollywood de los años 30 y 40, vistiendo elegante al estilo zoot suit, rodeado de sexy y carnosas chicas, monta una banda inspirada por todo ello y con una única máxima : bailad y disfrutad, que la vida es corta.

August Darnell, o Kid Creole, acompañado por su amigo puertorriqueño Coati Mundi, después de un primer intento fallido (Dr. Buzzard’s Original Savannah Band), encuentran el filón con el Kid Creole & The Coconuts band, un sonido propio mezclando ritmos caribeños, funk, pop y swing. La indumentaria zoot suit, las Coconuts, sección de cobres desmesurada, guitarras funk, percusiones de las islas, y el baile irresistible del Kid.

Kid

A principios de los 80’s la banda arrasa en Europa, sobre todo en UK y Francia, donde sus discos se venden como churros y los conciertos son sold out. Aunque no tanto en EEUU, donde el estilo Zoot Suit trae malos recuerdos. En plena segunda guerra mundial, los “chicanos” de Los Angeles, máximos representantes de esta moda (pantalón acampanado de cintura alta sostenido por tirantes de color, camisa con lazo negro, chaqueta larga como un abrigo y sombrero de borde amplio) fueron el blanco de la ira de los marines estacionados en el puerto californiano a raíz de una pelea tonta. Las llamadas Revueltas Zoot Suit (Zoot Suit Riots) durarán semanas y se cobraran la vida de 5 jovenes de origen mejicano, mientras que ningún asaltante blanco será molestado por la justicia, pero esa es otra historia (o la de siempre en EEUU).

En 1982, Kid y sus Coconuts sacan Tropical Gangster, su tercer álbum de estudio, el más emblemático de la banda. Venderá millones de copias, como LP o singles tras singles. “Stool Pigeon”, “I’m a Wonderful Thing Baby” y “Annie, I’m Not Your Dady”, iconos achispantes de una época dorada en la que el Kid nos hacía felices en cuatro minutos.

Isaac Hayes – Shaft (BSO)

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Metro-Goldwyn-Mayer, 70’s, cine negro, Melvin Van Peebles, Blaxploitation, Gordon Parks, Shaft, Ernest Tidyman, John D. F. Black, Detective privado negro, Harlem, Times Square, Greenwich Village, taxicabs, mafia italiana, gangsters, uptown gangs, No Name Bar, John Shaft, Bumpy Jonas, Vic Androzzi, Bunky, Richard Roundtree, Moses Gunn,  Theme from Shaft, Soulsville, Do Your Thing, Isaac Hayes, Stax, Grammy Award, Academy Award for Best Original Song, Golden Globe Award for Best Original Song, Golden Globe Award for Best Original Score, Best Original Score Written for a Motion Picture, BAFTA Award for Best Film Music, Cashbox Top 100, Billboard’s Hot 100 number-one, óscar a la mejor banda sonora.

1971. “Sweet Sweetback’s Baadasssss Song”, la película de Melvin Van Peebles, con BSO de Earth Wind & Fire, abre un nuevo camino dentro de la industria cinematográfica americana, la Blaxploitation. Ya no sólo se cuenta con actores negros, sino que se narran sus vidas, sus historias, sus angustias, sus deseos, su cultura, y… su música. A los pocos meses del estreno de la película de Van Peebles, se estrena la de Gordon Parks, la historia de un detective privado negro, llamado John Shaft (Richard Roundtree).

shaft

Shaft… Theme from Shaft…. Unidas para los siglos de los siglos, en lo que queda como una de las mejores bandas sónoras jamás escrita, y como uno de los mejores disco de soul funk black music de todos los tiempos.

Y todo basado en un tremendo engaño. Isaac Hayes contó años más tarde que se comprometió a escribir la banda sonora a cambio del papel principal de John Shaft, papel que terminaría recayendo en Richard Roundtree. Una vez pasado el disgusto, Isaac Hayes se lanzó a componer su obra maestra, y el disco más vendido por el sello Stax Records.

Basta con escuchar Theme From Shaft, esa guitarra, ese bajo, esa trompeta, la batería, la voz de Hayes, los coros, por dios, es esto posible? Hallelujah!

Fiona Apple – When The Pawn

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Si el talento bastara para estar en el altar, no hay duda de que Fiona Apple ocuparía un buen espacio en lo más alto, empujando al vacío algunos artistas que no le gustan (más o menos los mismos que a mi). Pero hay más criterios de admisión, y la Fiona no piensa cumplir con ninguno más.

Tiene mala leche, indudablemente. A los 11 años, declaró que quería matar a su hermana. Sus trastornos mentales la llevaron a una psicoterapia donde demostró grandes dotes de insociabilidad. Por colmo, la violaron con 12 años por el camino del colegio. Odia a casi todo el mundo (no es para menos), es vegana y miembro muy activa de la ONG PETA (Personas por el trato ético de los animales),  cada año se mete con el pavo nacional (día de acción de gracias en los EEUU), y en el 96 al recibir un premio en los MTV awards, hizo unas declaraciones en contra de la industria musical comercial y todavía a muchos «artistas» les pitan los oídos… Total, que se enerva con mucha facilidad.

Y cuando deja de repartir mamporros, hace música. De la buena. Se toma su tiempo para madurar los álbumes, sólo van cuatro en diecisiete años. Son discos necesariamente muy personales, sin compromiso, complejos, algo sombríos, donde su voz mitad Chryssie Hynde mitad Nina Simone, potente y profunda, resuena con fuerza, con mucha emoción.

fiona

«When The Pawn» sale en 1999. Realmente el título completo es este : “When the Pawn Hits the Conflicts He Thinks like a King What He Knows Throws the Blows When He Goes to the Fight and He’ll Win the Whole Thing Fore He Enters the Ring There’s No Body to Batter When Your Mind Is Your Might So When You Go Solo, You Hold Your Own Hand and Remember That Depth Is the Greatest of Heights and If You Know Where You Stand, Then You’ll Know Where to Land and If You Fall It Won’t Matter, Cuz You Know That You’re Right.”. Con sus 90 palabras, ostentó durante años el record del álbum con el título más largo,  hasta que en 2007 los de Soulwax sacaron un LP con un título de 103. Es el segundo de su carrera, no se venderá tan bien como el primero (cerca de 3 millones de copias sólo en EEUU), el precio a pagar por meterse con el pavo. Pero es el mejor de los cuatro. Sublime.

Amy Winehouse – Back To Black

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Diminuta, flaca, tatuada como un camionero, pintada como la mujer del camionero, un moño de antología, tenía ese magnetismo de los grandes, ese poder de atracción a la medida de su desamparo, esa extraña sensación de absoluta soledad cuando tenía al mundo rendido a su talento. Gozaba de una voz portentosa, en un cuerpo grácil, casi frágil. Toda la vida de Amy Winehouse se resume en contradicciones, polos opuestos, excesos autodestructivos, y todos los tormentos que suelen acompañar un absoluto desamor consigo mismo.

Resucitó un género, inventó un estilo, iluminó el mundo con 24 canciones, conmocionó con su voz ronca y melodías tristes. Dicen que nadie le ayudó, que el puto circo se alimentó con su lenta caída, esa prensa pestilente que le sobrevive, claro cómo no. Especulando sobre la fecha en la que nos iba a dejar, viéndole tambalearse alcoholizada en youtube. Escuchaban a Duffy y decían que era lo mismo. Miserables…

Amy Winehouse, la más grande del siglo XXI, la más rock’n’roll de las Soul Women… no se ha hecho la miel para la boca del asno.

amy

Back to Black, segundo álbum, aunque sea para escuchar una y otra vez a la canción del mismo nombre. Mi preferida.

We only said good-bye with words
I died a hundred times
You go back to her
And I go back to black

Devo – Q: Are We Not Men? A: We Are Devo!

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Hubo una época en la que llevar una maceta de plástico rojo en la cabeza parecía lo más normal del mundo, vestirse con monos amarillos chillones no incendiaba las redes, y cantar sobre mongólicos no acarreaba un aluvión de denuncias políticamente correctas. Bendita época de libertad (que sí, estamos regresando, y mucho) ilustrada como nadie por Devo, el grupo más irreverente de finales de los 70s y principios de los 80s.

En la primera mitad de los 70s, una pandilla de amigos de la universidad de Akron (Ohio, la ciudad de los neumáticos) se interesa por la corriente “de-evolution” : no evolucionamos, regresamos. Es cierto que viviendo en los EEUU, cualquiera con dos dedos de frente debería llegar a esa misma conclusión.  Aún tomándosela a broma, el grupo monta primero espectáculos (ays estos conceptualistas) y luego actuaciones musicales. Los hermanos Mothersbaugh, los hermanos Casale, y Josh Freese (del que no se sabe si tenía hermano) adoptan definitivamente el nombre Devo y empiezan, allá por el 75 a alegrarle la vida a los autóctonos cansados, hasta que, bingo, nada menos que Bowie, Iggy Pop, Brian Eno y Robert Fripp les caigan encima mostrando interés por el tono de sus canciones.

devo

Reúnen los cuatro algo de dinerillo para producir el primer álbum de la banda, y se van todos a Colonia a grabarlo. Colonia, no es precisamente la alegría de la huerta, aún así, de los estudios alemanes sale en 78 el disco más loco, tarado y acelerado de la década, una mezcla jubilosa y gozosa de punk new wave.  “Q: Are we not men? A: We are Devo!”. Ahí está el no polémico «Mongoloid», ese grandioso “Gut Feeling” (con una intro que no para de acelerar hasta que te cueste seguirle el ritmo con tu dedo en la mesa, inténtalo), aquel infernal “Slap Your Mammy” (olvídate del dedo, no vas a poder), una versión sincopada e irreverente del “I can’t get no satisfaction” de los Stones, y un explosivo  “Uncontrollable Urge”.

Luego conocerán el éxito con su tercer álbum “Freedom of Choice”, pero la joya está aquí abajo. Hala, gracias Fiouck.

Iggy Pop – The Idiot

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A Iggy Pop, icono punk-rock de los últimos 40 años, iguana coja con torso torcido -por culpa de una pierna más corta que la otra-, cara de pocos amigos, fanático del salto del ángel sobre hinchas, no se le conoce ni camiseta, ni camisa, ni chaqueta, ni ningún tipo de prenda de arriba. Apareció semidesnudo y se irá semidesnudo.  Y cuando se vaya el rock habrá perdido a medio dios y quedarán escasos pretendientes para ocupar la otra mitad.

A mediados de los 60, James Newel Österberg Jr. ya va dando saltos por todas partes, que si los Doors, que si los Stones, que si MC5 y Sonics. En el 63 monta una primera banda, The Iguanas -ya ya, de ahí…-, y luego en el 65 lanza The Psychedelic Stooges, con Ron Asheton (guitarra), su hermano Scott (batería, fallecido el 16 de marzo de 2014) y Dave Alexander (bajo). El sonido es increíblemente novedoso, algunos dirán que simplemente muy alto, en todo caso revoluciona el Michigan y pronto el resto del país.

iggy

En 72 conoce a David -la otra mitad- Bowie. Flechazo inmediato, el consumo mundial de heroína se dispara, y The Stooges se tambalean. Desaparece Dave Alexander, a punto está Iggy Pop de hacer lo mismo,  pero Bowie vela. Le lleva a curas de desintoxicación, de gira (Station to Station Tour), y a Berlín para reponer fuerzas -es un decir-. Allí es donde Iggy saca su primer álbum solo, The Idiot.

En este disco a Bowie ya sólo le falta hacer el café. Produce, escribe, compone, toca, canta (coros), saxofonea, sintetiza, xilofonea, pero la marca es indudablemente la de Iggy Pop, con su voz de ultra tumba.  Tenebroso, oscuro,  influenciado por el Krautrock e iluminado por las drogas, Iggy Pop saca lo que se considera su mejor álbum.

Nightclubbing, Sister Midnight, Funtime, todas en el altar. Y China Girl -que Bowie volverá a interpretar 6 años después en su disco Let’s Dance-, alcanza el grial, rock’n’roll for ever…